C’était cool, le grunge, les chemises à carreaux, tout ça… et il y avait même de sacrés bons groupes dans le lot. Mais je dois dire que ce n’est pas le mouvement musical qui a le plus retenu mon attention et, lorsqu’un groupe se réclame haut et fort de ce courant, j’y vais avec une curiosité assez prudente. Après un premier ep sympathique, Noiss reviennent aux affaires avec cette deuxième galette enregistrée au Purple Sheep Studio et qui commence à se rapprocher sérieusement, on imagine, de l’idéal de sueur et de gros riffs des Chambériens. Tout y est, la scène est presque parfaite. Le son, la voix rocailleuse, on les voit, on les entend, on les sent sur scène. Nul doute que que Noiss est un groupe sincère qui en veut et qui croit à sa ligne musicale et c’est une des qualités de ces morceaux de ne pas trop en faire pour laisser parler ses idées, comme sur l’instrumental tout simple « Enjoy this day », ou mettre en valeur les lignes vocales éraillées. Même si ces cinq morceaux s’appuient largement sur des recettes qui ont maintes et maintes fois fait leurs preuves, leur force de conviction emporte tout de même l’adhésion et doivent certainement faire leur effet en live. Seulement, seulement, on adorerait que ce groupe, tout en gardant les racines qui font son identité musicale, nous emmene ailleurs, dans un endroit qu’on ne connaisse pas déjà.
Rangée de surfaces planes, opaques. Quasi-monochromes francs, texturés. L’oeil qui s’approche détache tout à coup des silhouettes fantomatiques. Un pylone, l’ombre d’une installation, la forme d’un bouquetin, la ligne de crête d’un sommet. Le Mont-Blanc et sa chaîne, carte postale des cartes postales, découpé en un tryptique momumental – « L’halali » – noyé sous des volutes de brun. Des couleurs qui bercent l’oeil mais ces anti-apparitions suscitent des réactions mélées, entre la surprise de la rencontre et l’angoisse de l’effacement.
Johanna Perret est une jeune plasticienne travaillant dans la vallée de l’Arve, dont les thématiques artistiques sont étroitement liées au lieu qu’elle habite. L’exposition « Soluble », visible à l’Angle de janvier à mars*, présentait plusieurs séries de tableaux et une installation, tous créés pour l’occasion. Aux représentations figuratives vulnérables, menacées de disparition, répondent les peintures abstraites. Précipités de couleurs irisées (cet effet arc-en-ciel des flaques de carburant des stations-services mais qui, ici, fait d’abord référence aux huiles utilisées dans les usines de décolletage, appellées justement « solubles »), by-product industriel élevé au rang d’objet esthétique, matériau qui prend le pas sur la représentation et prend en charge la signification.
Les tableaux dialoguent eux-mêmes avec une installation d’amas de pierres gris-bleu, disposés à même le sol ou dans les cagettes métalliques où les décolleteurs faisaient tomber leurs pièces. Matérialité pure. Millénaires en miettes. Montagne concassée. Montagne matériau, mise à disposition, offerte au regard sans mode d’emploi, qui interroge silencieusement l’usage que nous faisons du monde et son histoire.
Les artistes qui portent un regard à la fois esthétique et politique sur le lieu où ils vivent – notamment en région de montagne – ne sont pas légions et ceux dont le travail est lisible, accessible à tous, encore moins. « Soluble » est une découverte enthousiasmante, un projet et une artiste qui donnent envie de les suivre et qui trouveront, espérons, le public large qu’ils méritent.
*Mise à jour juin 2020 : l’exposition est encore visible à l’Angle jusqu’au 26 juin sur RDV.
Cutter est né dans le garage de JB (ex-Prejudice GVA) sous le nom Kill all the goats, avec Pascal à la batterie et Tom à la guitare/voix. Le premier concert s’est fait dans le chalet d’un copain qui fêtait l’obtention de sa nationalité française et le dernier au Bistro des Tilleuls avec le groupe russe Jars. A l’époque du premier concert, c’est déjà Chloé qui avait repris la basse et le groupe s’appelait Catalgine, en référence à un morceau de Carther-Matha, groupe qui appartient à la préhistoire du hardcore DIY en France. C’est également avec Chloé que Catalagine enregistre sa démo/EP « 5500 slippery goats », dans le sous-sol d’un copain qui s’était construit un petit studio. C’est par cette enregistrement que Julien découvre le groupe et finalement le rejoint quand Chloé lache le poste de bassiste. Le groupe change de nouveau de nom pour Cutter. La meilleur étiquette qu’il ait reçue, c’est « noise-rock 80s » – bien qu’on voit pas très bien à quoi ça peut correspondre mais sûrement un truc bien primitif. Les gens font aussi régulièrement référence à Rage against the machine pour parler du groupe. Faîtes attention à ce que vous dîtes, quand même, les gens.
Salut Andrew, Julien La Machine, Olive LowLightConditions et Smutt, Deaf Lingo, Disco-Boule, Nevraska, Flo Cosmique et son Orchidée, Nurse et la Poulpe family, Don Aman, Milkshaker, Fisted by a priest, Julien Chateau-rouge, DKDance, Sheik Anorak et Shaakalens Bror, Jars, Dewaere !
Merci aux Tanneries de Rumilly, à Greg et son Poulpe, à Swoltan, Alexandre et aux Digital natives, aux Pirates et à leur Brasserie, à ceux qui partent en Spirale et à ceux qui tisent sous les Tilleuls et à ceux qu’on oublie !
PS Bon, si jamais, Pascal cherche à monter un projet post-punk/cold/EBM, Julien est partant pour faire la basse dans ton groupe deathcore/Hardcore/Slam/etc. et Tom est au Poulpe tous les vendredis soirs…
Après avoir rôdé aux abord du lycée, voilà que Taulard nous emmène dans la plaine. Deuxième album sorti en catimini, à se demander même si ça ne les dérange pas, qu’on parle d’eux. En même temps, cette discrétion, ça va bien à leur musique pas prétentieuse pour un sou, qui semble faite pour être distribuée de la main à la main, le groupe de copains de copains.
Pas vraiment de grande surprise à l’écoute de ces 11 titres dans le droit fil de ce que le groupe a fait jusque-là. Toujours ce rock alternatif à synthé déluré – à peine un passage reggae vient prendre le contre-pied sur un morceau, un peu façon Bad Brains – et ces textes désarmants qui donnent envie de tendre l’oreille pour entendre l’histoire jusqu’à la fin. Les hésitations, les dégoûts, les impasses, les noeuds psychologiques exposés sans fard et les espaces géographiques ouverts, comme refuges, comme antidotes. L’air de rien, l’écriture de Taulard capture au vol un trouble indéfinissable, une nostalgie poignante omniprésente qui ne dit pas son nom. Si certains textes versent un peu dans l’anecdotique, d’autres, comme « Dans la plaine » et son évocation des saisons d’été, sont à écouter absolument.
Après « Immorale émotion », le terroriste sonore chambérien Yoke revient avec 4 nouveaux morceaux, cette fois publiés sous l’égide d’un label, Larmes – mais uniquement en format numérique semble-t-il – et donne une suite à ses plongées sonores, ses chutes dans un espace sombre, magnétique et sans fond. Environnement sonore sculpté – au grain plus fin peut-être que sur l’enregistrement précédent. Motifs qui s’entrechoquent, échos d’une scène inidentifiable, bloqués sur une répétition cauchemardesque. Inquiétantes mécaniques sourdes qui travaillent en profondeur. Entre précision maniaque et délitement des repères auditifs, les narrations sonores de Yoke déroulent leurs paysages angoissants, hors-contrôles, poursuivent leur lancinant travail de sape.
Quand on demande quels sont les groupes locaux qui ont marqué, les noms de Inner suffering et Human side reviennent régulièrement et ce n’est pas un hasard si on retrouve leurs membres dans les formations actuelles les plus intéressantes. Nevraska, bien sûr, dont le deuxième album est en préparation, et Komodo experience – trio instrumental dont l’existence aura été écourtée par le départ d’un guitariste. Mornifle reprend les choses là où Komodo les avaient laissées mais rebat les cartes. Sous ce pseudonyme potache, on retrouve Fabien, qui quitte la basse pour passer à la guitare, Quentin (ex-Sayoni ma et MC Al Ouatta) prend le poste de bassiste et Kick est à la batterie mais seulement le temps de cet enregistrement puisque, désormais batteur de Nevraska, il va laisser sa place à Simon (We are the incredible noise, Cadet massive). Joli jeu de chaises musicales.
Pour son premier essai discographique, le trio frappe fort et abat d’entrée de jeu 6 titres, dans lesquels on reconnait immédiatement le groove surpuissant et les compositions à tiroirs caractéristiques. Les musiciens connaissent leur grammaire convergienne sur le bout des doigts – sans jeu de mot, hein – et « Pouce », « Majeur » et Paume » donnent quelques beaux moments de hardcore impétueux et sombre, plein de bourrasques glaciales et de break dantesques. Mornifle, disaient-ils.
Mais, y’a pas à dire, le rock instrumental, surtout en trio, ça va quand même pas tout à fait de soi. L’absence de voix dévoile fatalement le caractère linéaire de toute composition et, de ce point-de-vue, certaines tirent mieux leur épingle du jeu que d’autres. « Index » titille déjà l’oreille avec une mélodie de guitare joueuse mais c’est surtout « Annulaire » qui bifurque et créé la surprise. Prenant ses distances avec les plans testéronés, ce morceau ose des mélodies plus évidentes, plus fun, et dessine un espèce de prog futuriste survitaminé vraiment emballant, un peu comme un TransAm metallique. Comme par magie, chaque instrument trouve sa place et l’alchimie entre la batterie surpuissante, le groove de la basse et une guitare inventive et bien dosée se fait ici naturelle et particulièrement aigue. « Auriculaire » continue sur cette lancée en préférant au défilement des plans prendre le temps de développer son riff accrocheur.
Mornifle a eu bien raison de mettre les bouchées doubles pour ce premier opus qui ouvre des brèches et laisse entrevoir des perspectives dont on a hâte de voir quelles suites le groupe va leur donner. En attendant, c’est une excellente surprise qu’on espère bientôt goûter en concert. Welcome Mornifle !
Rien à voir avec le Covid-19 – quoique – mais le monde devient vraiment cold-wave ces temps-ci. Heureusement que certains groupes conservent du mordant et c’est le cas du duo grenoblois Churros batiment, qui vient de sortir un EP 4 titres, composé intégralement pendant la période de confinement. Du surréaliste « Termite horrible » aux plus directs « Il tombe » et « Adorable traître », le groupe hybride une chanson à fleur de peau et très écrite et un électro sombre et assez crade, pour un résultat jouissif et hyper convaincant. Comme c’est le cas depuis leurs débuts, d’ailleurs. A découvrir et à suivre !
On n’écoute pas de la musique tout seul. On l’écoute parce quelqu’un vous a dit de l’écouter. Au fil des publications pour lesquelles il a écrit – actuellement son blog Instant bullshit -, Hazam ne cesse de dérouler une pelotte de musiques déviantes et intranquilles. Punk, noise, musiques expérimentales ou avant-gardistes, selon l’humeur et les rencontres. Chroniques de disques, reports de concerts, défilé non-stop d’écrits souvent labyrinthiques. Je suis allé l’interrompre un moment avec quelques questions.
Hello Hazam, quand as-tu commencé à écrire ? Peux-tu nous faire un historique des publications et supports pour lesquels tu as écrit ?
J’ai d’abord commencé par faire de la radio, j’étais au lycée, j’écoutais déjà beaucoup de musique et j’ai trouvé dans la radio le moyen de faire quelque chose avec ce qui était devenu pour moi une passion et celui de découvrir toujours plus de groupes, de disques, de musiques. Lorsque j’ai pu légalement partir de chez mes parents j’ai débarqué dans la grande ville la plus proche (Lyon) où j’ai cherché et rapidement trouvé une radio qui me corresponde : c’était Radio Canut où je suis resté une douzaine d’années. À radio Canut je faisais des émissions seul aussi j’ai commencé à parler de plus en plus entre les disques que je passais et c’est ainsi que j’ai commencé à écrire, d’abord des simples notes puis de véritables petits textes. D’autres à Canut – Jean-Mi, futur Bästard ou Stef, futur boss du Sonic – ont fait exactement le chemin inverse et ont choisi de ne plus parler et au contraire de mélanger les disques, les sons et de se diriger vers toujours plus de création sonore. Puis j’ai rencontré des gens qui m’ont proposé d’écrire des articles pour des supports papier (et après pour des sites internets) et depuis je continue d’écrire, principalement pour moi, pour ma propre gazette.
Ursa
Tu as collaboré à plusieurs webzines comme Le Zèbre ou Perte & fracas, et tu es revenu à un support individuel, le blog Instant Bullshit, y a-t-il une raison particulière ?
J’ai aussi écrit pour un journal papier gratuit lyonnais à tendance culturelle généraliste pendant presque quinze ans, j’ai un temps collaboré à un journal musical national distribué en kiosque mais finalement je suis un solitaire et un égoïste, je préfère travailler pour ma gueule, sans compter que j’ai un sérieux problème avec les connards pour qui dans les mots « rédacteur en chef » c’est le « chef » le plus important (cette remarque fonctionne aussi avec « directeur de publication » et « directeur »). Ce qui ne m’interdit pas de prendre part à des projets collectifs de temps en temps, si on me le demande et bien sûr si cela me branche (par exemple l’année dernière j’ai écrit un ou deux textes pour un livre). Pour moi écrire est quelque chose de vital mais je n’ai aucune imagination, je ne sais pas inventer des histoires et réfléchir n’est pas mon fort non plus donc écrire sur la musique et chroniquer des disques me permet de conjuguer deux des trois ou quatre choses parmi les plus importantes dans ma vie et en même temps cela me donne un cadre, des contraintes, et donc l’énergie et les idées nécessaires pour assouvir ce besoin et cette envie d’écriture. Ceci dit l’expérience Perte & Fracas a été essentielle pour moi, elle s’est déroulée en deux temps et lorsqu’en 2014 Xavier est revenu vers moi pour que je réécrive dans Perte & Fracas cela m’a en quelque sorte sauvé, j’étais au bord de graves problèmes personnels et d’épreuves de vie et écrire pour PeF a alors été salutaire. Il y a dans certaines chroniques écrites à cette époque et un peu plus tard des mots qui parlent de tout ça, du fracas de l’existence, de la chute, de la dépression, des amours perdues, de la mort. Puis j’ai laissé tomber Xavier et Perte & Fracas sans crier gare, assez lâchement, parce que je n’en avais plus besoin, et je ne m’en suis jamais excusé. Mais que Xavier soit ici remercié, même s’il ne sait pas exactement ce qu’il a fait pour moi.
Je ne sais pas si Instant Bullshit a une ligne éditoriale explicite, mais si il y en avait une, qu’est-ce-que ce serait ?
La ligne éditoriale tourne uniquement autour de mon nombril et dépend du temps que je passe à le caresser (des fois je n’en ai pas le temps, d’autres fois je ne fais que ça, c’est tellement délicieux). Je parle donc de musiques et de disques que j’aime ou de musiques et de disques que j’aime détester. C’est le reflet de mon égoïsme et de mon narcissisme. Parce que ça me plaît.
Neige morte
Pourquoi et pour qui écris-tu ? Ou, autrement dit, quel est le sens d’une publication comme Instant Bullshit dans la scène musicale actuelle ?
Je ne sais pas et je m’en fous. Il y a des chroniques qui plaisent, d’autres non. Il m’arrive d’avoir des réactions à certains de mes textes mais ces réactions sont rarement argumentées, c’est plus du genre : « ah c’est cool tu fais partie des rares personnes à avoir parlé de ce disque » donc c’est comme un « like » ou un « cœur » sur un réseau social, ça ne veut pas dire grand chose.
Tu écris des chroniques de disques et de concerts mais tu ne fais pas d’interview. Pourquoi ?
Je ne sais pas trop parler aux gens. Quand j’ai besoin de dire quelque chose à une personne je préfère lui écrire. Alors faire des interviews… c’est difficile pour moi et cela l’est de plus en plus. Lorsque je vais à un concert je préfère me cacher derrière mon appareil photo plutôt que d’avoir de réelles discussions.
Je crois que, comme moi, tu a commencé à écouter de la musique à un moment où les fanzines jouaient un grand rôle. Est-ce que c’est quelque chose qui a été important pour toi ?
Oui et j’en ai plein chez moi. Je suis très heureux de constater que depuis quelques années les fanzines reviennent à la vie, que des gens veulent à nouveau imprimer des mots, écrire sur leurs idées, leurs ressentis, et que cela soit sur autre chose qu’une page web à peine consultable sur l’écran microscopique d’un téléphone pseudo intelligent. Mais je ne suis pas assez courageux pour faire de même : écrire pour un blog c’est tellement plus confortable et pneumatique.
Y a-t-il des personnes dont le style d’écriture t’ont particulièrement marqué et donné envie d’écrire sur la musique ?
Je ne sais pas trop… Les bouquins sur la musique sont souvent tellement mal écrits ! Et je ne te parle même pas des autobiographies de musiciens. Pourtant je lis beaucoup de livres sur et autour de la musique : le sujet m’intéresse beaucoup plus que le style employé, que la forme. J’aimerais pourtant bien te citer Lester Bangs mais ce type est tellement inatteignable, jusque dans ses erreurs d’appréciation, d’ailleurs… Et puis j’aime beaucoup ces auteurs qui écrivent des romans et des récits que je peux lire un peu de la même façon que j’écoute un disque qui me plait et me touche : Bukowski, Fante (père et fils), Philip K. Dick, Roberto Bolaño, Harry Crews, Jack London, Norman Mailer (enfin, principalement pour « Un Rêve Américain »), beaucoup d’auteurs américains, en fait.
Emilie Zoé
Je voulais aussi te poser une question sur la négativité et l’intransigeance. Quand on parle de musique avec une personne, on dit « Ça, j’aime pas » ou « Ce groupe, j’ai jamais compris », – ça paraît même essentiel, c’est ça qui fait le sel des goûts de chacun – mais c’est quelque chose qu’on ne retrouve pas toujours dans la presse écrite. As-tu des idées là-dessus ?
Oui j’ai quelques idées. Dire ou écrire « j’aime » ou « j’aime pas » est interdit par la psychorigidité du journalisme professionnel. Mais il y a également cette pratique qui consiste – sur le web – a donner en pâture et en avant-première un disque via un player intégré ou une vidéo mais sans donner réellement d’avis, c’est de l’écriture événementielle, de la recherche de buzz. Et j’en ai vraiment rien à foutre. Sinon donner son avis est dangereux lorsqu’on vend des espaces publicitaires et que l’on passe son temps à gratter des disques promotionnels ou des places de concert gratuites pour occuper ses soirées.
T’est-il arrivé d’avoir des retours négatifs sur un article ?
Oui j’en ai eu à l’époque de Heavy Mental mais pour l’instant pas pour Instant Bullshit alors qu’il y a un formulaire de contact en bas à droite sur la page du blog pour qui souhaiterait me contacter mais personne ne l’a encore fait. En moyenne une personne passe moins d’une minute sur une page internet ne comprenant que des mots mais aucune vidéo ni aucun extrait musical : la lecture assidue est devenue un véritable acte de bravoure… alors réagir avec des mots à d’autres mots c’est carrément de la science fiction dans un monde où avoir l’air de réfléchir est plus important que la réflexion en elle-même.
Quelles sont les publications, papier et numérique, que tu consultes aujourd’hui et pourquoi?
Je lis Perte & Fracas, Des Cendres A La Cave, Le Monde, Le Monde Diplomatique, Courrier International, Le Figaro et quelques autres trucs lorsque je tombe sur un article dont le sujet m’intéresse. Mais je consulte surtout des sites d’informations alternatives et d’opinions contrastées (rebellyon.info par exemple).
Dewaere
Tu fais également des photos de concerts, qu’on retrouve régulièrement sur Instant Bullshit et qui ont aussi fait l’objet, je crois, d’expositions. Peux-tu nous parler un peu de ton approche la photographie ?
La plupart des photos que je prends sont plutôt visibles sur mon flickr où il y a un album consacré aux photos de concerts et un autre avec tout le reste : des paysages, mes enfants, des photos de rues, etc. Je n’expose pas vraiment – seulement cinq fois à ce jour dont deux expositions collectives – parce que j’ai la flemme. Pendant longtemps je n’ai pas voulu faire de photos parce que c’est lié à mon histoire familiale et que j’ai tout fait pour rejeter celle-ci. Puis j’ai fini par grandir (enfin, pas trop non plus) et j’ai voulu documenter les concerts où je me rends. J’aime le noir et blanc très contrasté et j’aime faire des instantanés avec des gens qui bougent à l’intérieur du cadre, donc faire des photos de concerts est idéal pour moi. Mais honnêtement je n’y connais pas grand chose, je suis incapable de te citer des « grands photographes » qui me touchent – exception notoire : certains vieux trucs de Jan Saudek – ou de te parler technique. En plus ça m’emmerde un peu, presque autant que les conversations entre fans de sport. J’ai appris par moi-même, je me suis au point tout seul des petites techniques un peu fainéantes mais qui donnent illusion de faire le taf. Du moins, je l’espère. Et puis, une photo, ce n’est pas une simple représentation de la réalité mais (donc) une illusion transformée de celle-ci, figée, et des fois même presque mortuaire. Une photo doit montrer ou exprimer quelque chose et comme ce quelque chose est la plupart du temps inexprimable (comme l’émotion et l’ambiance d’un concert) il s’agit de faire autrement, une image qui se rapproche des fois à peine de ce que l’on a ressenti. Je ne crois pas en l’objectivité et en la neutralité du photographe ou du preneur d’image. Ou alors on parle de caméra de surveillance et de totalitarisme du reflet d’un miroir sans tain.
Tu vas très régulièrement voir des concerts, quel est ton impression la scène lyonnaise actuelle, que ce soit du point de vue des groupes, des salles, du public ou autre ?
La musique à Lyon est très présente et très variée. Je n’aime pas parler de « scène », ça fait géographe, sectaire ou patriote, bref un truc qui pue. Il y a des groupes, des salles, des orgas, des concerts, des publics et c’est tout. Mais c’est très cool tout ce foisonnement à portée de main. En plus, les concerts à Lyon restent abordables financièrement – du moins ceux auxquels je me rends – et l’éthique Do It Yourself / Do It Together est très présente et importante. Bien sûr, il y a quelques tocards qui se la jouent rebelles du rock’n’roll, comme de partout j’imagine. Mais, globalement, habiter dans cette ville est une chance, oui, même si sur beaucoup d’autres plans ça craint (le nettoyage et la gentrification des quartiers populaires, la surenchère immobilière, Lyon capitale de l’extrême-droite européenne, la fête du Beaujolais, la fête des Lumières, les Nuits Sonores, le harcèlement des contrôleurs dans les transports en commun alors que bus et métros devraient être gratuits pour les gens démunis, Gérard Collomb, l’Olympique Lyonnais et ses supporters décérébrés, l’hypocrisie de la Métropole face au problème des réfugiés, je pense notamment à ceux qui sont parqués depuis des mois dans l’ancien collège Maurice Scève dans le 4ème arrondissement, etc).
France
Et le meilleur groupe lyonnais en ce moment, c’est qui ?
Je ne sais pas ce que signifie « meilleur groupe lyonnais » mais je peux citer quelques groupes que j’aime bien en ce moment comme Neige Morte, Balladur, Tôle Froide, Bleakness, Hørdür, Grand Veymont, François Virot Band, Warfuck, Schleu !, Saló, Kouma, Chromb !, Meurtrières, Contractions, Monplaisir ou Ursa. Mais mes préférés restent Tombouctou. J’avais littéralement adoré le premier album et je sais que le groupe a désormais suffisamment de nouvelles compositions pour enregistrer un deuxième LP, j’aimerais vraiment qu’il y arrive.
Les photos des groupes sont bien évidemment de Hazam. Merci à toi.
Faudrait être sourd pour ne pas entendre, dès les premiers accords de Hollow, qu’il y a eu du changement chez les clermontois de Untitled with drums. Enregistré par Serge Morratel, ce nouveau LP montre un visage assez différent d’un groupe dont le premier disque avait vraiment été une bonne surprise. Exit l’ambiance réverbérée qui baignait leur musique dans un halo cotonneux, exit aussi la voix ténue et cet équilibre de funambule à la The Cure entre pesanteur et douceur éthérée. Place aux grosses guitares, à la basse massive et distordue et un chant dans l’ensemble plus viril, bien qu’il s’agisse du même chanteur. Une formule sonore, une identité musicale modifiée en profondeur, au risque de désorienter ceux qui avaient accroché au premier disque.
Passée cette première impression déconcertante, les morceaux en viennent de toute façon à mener leur existence propre et, au fil des écoutes, on retrouve les qualités d’écriture indéniables d’Untitled with drums. Leur manière de constuire sur des progressions d’accords réduites au minimum, de les faire vibrer ou de les mettre à genoux d’une touche de synthé ou d’une inflexion de voix. Une certaine lenteur assummée, aussi, qui provoque ces sensations de décollage et d’apesanteur assez classes. Si « Play with fire » ouvre le disque tambour battant, la majorité des titres de Hollow sont des semi-slows émotionnels et surpuissants, qui pourraient rapprocher le groupe de formations comme les Smashing pumpkins ou, plus proche de nous, Impure wilhelmina. Selon l’humeur, leur construction peut éblouir et charmer mais cette harmonie peut parfois aussi donner l’impression d’être un peu lisse, un peu trop parfaite.
J’avoue avoir une préférence pour le Untitled première incarnation. Celle-ci n’est pas déplaisante mais elle laisse l’impression d’abandonner certaines potentialités du groupe en route. Le son énorme taillé par Morratel est un tremplin autant qu’il est un piège potentiel. Avec ce disque ambivalent qui privilégie nettement la puissance au détriment de la finesse, Untitled with drums confirme son talent mais laisse aussi penser qu’une autre suite de l’histoire est possible.
Untitled with drums, « Hollow » LP (Seein red records, Araki records, Brigante records, Atypeek music)
Lorsqu’on demande quel groupe a apporté du nouveau dans la musique punk ou affiliées ces dernières années, un nom revient : Girl band. Après Idles et Viagra boys les années précédentes, le festival Antigel prouve une nouvelle fois qu’il ne tire pas à l’aveuglette.
Après une plateforme sur le lac Léman, c’est au tour de la Banque alimentaire genevoise d’être investie par Antigel. On pensera ce qu’on veut de cette pratique mais le vaste entrepôt et ses alignement de dizaines de casiers de nourriture fait un cadre atypique et intéressant au concert. Devant la petite scène montée pour l’occasion et son arche blindée de projecteurs se presse un public impatient – assez dense, mais c’est pas la folie non plus. Faut dire que faire venir le groupe de Dublin pour un unique concert faisait grimper le prix de l’entrée à un niveau pas forcément accessible à tous.
Les quatre membres de Girl band montent sur scène et lancent la machine sans autre forme de procès, plongeant immédiatement le public dans un univers de tiraillements, cisaillements, de grondements et tensions contraires à nul autre pareil. Seule la batterie, binaire, millimétrique, aux accents dansants parfois directement empruntés à la techno, constitue un repère vraiment stable. La guitare entretient une relation très compliquée avec l’idée de mélodie. Fracas, gerbes, étincelles, vrombissement seraient des mots plus adéquats pour qualifier le jeu sidérurgique d’Alan Duggan, véritable artiste de la pédale d’effet. La basse est aussi en proie à des déraillements permanents aux forts relents no-wave. La gorge serrée, le pétage de plombs au bord des lèvres, Dara Kiely scande ce chaos organisé de ses jérémiades lancinantes, ses imprécations de prédicateur à bout de nerfs.
Témoin ébahi de cette mécanique partie en vrille, on ne peut que reconnaître qu’on est tout simplement face à des génies de la noise. Mais bizarrement, par moment, l’ennui n’est pas très loin non plus. La tension est uniformément haute, des passages planants, parfois sans batterie et où Dara Kiely s’essaie à chanter, font retomber la pression plus qu’ils ne la modulent. La mécanique de Girl band est faite pour crisser violemment. Le concert ne donne pas l’impression de décoller totalement. Le contact avec le public est assez minimal et Girl band quitte la scène sans cérémonie. Ovnis de la noise, à prendre ou à laisser.
Toutes les photos sont de Amdo, merci à toi. (On peut en voir d’autres sur la version Rictus de l’article.)
