« Au coeur de la machine Girl band » (Banque alimentaire, 12 fév.)

Lorsqu’on demande quel groupe a apporté du nouveau dans la musique punk ou affiliées ces dernières années, un nom revient : Girl band. Après Idles et Viagra boys les années précédentes, le festival Antigel prouve une nouvelle fois qu’il ne tire pas à l’aveuglette.

Après une plateforme sur le lac Léman, c’est au tour de la Banque alimentaire genevoise d’être investie par Antigel. On pensera ce qu’on veut de cette pratique mais le vaste entrepôt et ses alignement de dizaines de casiers de nourriture fait un cadre atypique et intéressant au concert. Devant la petite scène montée pour l’occasion et son arche blindée de projecteurs se presse un public impatient – assez dense, mais c’est pas la folie non plus. Faut dire que faire venir le groupe de Dublin pour un unique concert faisait grimper le prix de l’entrée à un niveau pas forcément accessible à tous.

Les quatre membres de Girl band montent sur scène et lancent la machine sans autre forme de procès, plongeant immédiatement le public dans un univers de tiraillements, cisaillements, de grondements et tensions contraires à nul autre pareil. Seule la batterie, binaire, millimétrique, aux accents dansants parfois directement empruntés à la techno, constitue un repère vraiment stable. La guitare entretient une relation très compliquée avec l’idée de mélodie. Fracas, gerbes, étincelles, vrombissement seraient des mots plus adéquats pour qualifier le jeu sidérurgique d’Alan Duggan, véritable artiste de la pédale d’effet. La basse est aussi en proie à des déraillements permanents aux forts relents no-wave. La gorge serrée, le pétage de plombs au bord des lèvres, Dara Kiely scande ce chaos organisé de ses jérémiades lancinantes, ses imprécations de prédicateur à bout de nerfs.

Témoin ébahi de cette mécanique partie en vrille, on ne peut que reconnaître qu’on est tout simplement face à des génies de la noise. Mais bizarrement, par moment, l’ennui n’est pas très loin non plus. La tension est uniformément haute, des passages planants, parfois sans batterie et où Dara Kiely s’essaie à chanter, font retomber la pression plus qu’ils ne la modulent. La mécanique de Girl band est faite pour crisser violemment. Le concert ne donne pas l’impression de décoller totalement. Le contact avec le public est assez minimal et Girl band quitte la scène sans cérémonie. Ovnis de la noise, à prendre ou à laisser.

Toutes les photos sont de Amdo, merci à toi. (On peut en voir d’autres sur la version Rictus de l’article.)

>>>>>>>>>> GIRL BAND

« Making hardcore jazz again » (Coilguns – plateforme des Eaux-vives, 9 fév.)

Une plateforme en chantier, à la tombée du jour, au bout d’une jetée sur le lac Léman soufflé par des bourrasques annonciatrices de la tempête à venir. Grande ambiance pour le hardcore mutant de Coilguns.

Leur dernier disque le prouve encore une fois : le hardcore de Coilguns évolue lentement vers quelque chose de toujours plus personnel, toujours plus ouvert à des influences diverses et sans jamais se départir de sa virulence originelle dont la puissance est démultipliée en live. On sent une certaine ferveur chez les adeptes massés devant la petite scène montée pour l’occasion.

Comme le disque, le concert s’ouvre sur Shortcuts, morceau mid-tempo frontal génial et assez surprenant, où la voix à haut débit est au premier plan et qui a quelque chose d’un peu British, un peu post-punk. Un peu Idles, pour tout dire. Après, les choses s’enchaînent, les événements s’accélèrent et se bousculent dans une chronologie difficile à reconstituer. Coilguns tord le metal dans tous les sens. Les guitares de Jona Nido déversent un son absolument massif. Une sonorisation de haut vol permet à un rendu à la fois maîtrisé et crade, où les larsens dégueulent de partout. Y compris sur le chant furieux de Louis Jucker. Tantôt perché sur les enceintes, tantôt rampant sous la scène, sa présence déchaînée distille une intensité de malade. Il se tord, se disloque comme un personnage d’Egon Shiele. Ce mec est le Guy Picciotto du 21e siècle et Coilguns explose le hardcore, le transcende, le sublime et lui insuffle une folie pour en faire quelque chose d’autre, quelque chose de personnel et qui suscite une émotion étrange, un peu difficile à définir.

« C’est libérateur » dit un copain après le concert. Peut-être que, comme toute autre forme d’expression, ces musiques peuvent aussi se hisser jusqu’à ce qu’on appelle l’art et justifier qu’on continue à les sonder, année après année, disque après disque, concert après concert, encore et encore.

Les photos de cinéma sont de Sanjay Ray. Merci.

>>>>>>>>>> COILGUNS

« La belle Belgique sonique » (Nurse, It it anita – Le Poulpe, 6 déc.)

Ca fait déjà un mois, mais le souvenir est encore chaud comme la braise : Nurse et It it anita au Poulpe. Disons-le tout net : certainement le concert le plus mémorable que j’ai vu dans ce lieu.

Issu de différentes formations – Crappy stuff, NFO, Shivaz – Nurse pratique un rock noisy émotionnel très abouti, qui les place à part dans la scène locale.

Le groupe avait annoncé c’était leur dernier concert avant longtemps. Acculé par les contraintes diverses – comme tout ceux qui essaient de mener de front leur passion et le reste – ils tentent, si j’ai bien compris, de se dégager du temps pour créer de nouveau et, peut-être, donner une suite à leur merveilleux premier LP.

Les morceaux de Nurse sont une matière sombre mais hautement inflammable et il y a toujours un moment où elle s’embrase. C’est chouette de les réentendre sur cette scène, agrémentés d’une reprise du groupe grenoblois Virago que j’entendais pour la première fois. D’autant plus qu’à la console, Jérémie a ciselé un son d’une profondeur étonnante qui permet de les entendre dans les meilleures conditions qui soient.

Les Belges de It it anita étaient plutôt attendus, et pour cause, un premier concert au Brise-Glace avait laissé des marques et convaincu pas mal de monde. Y’a pas de hasard.

It it anita pratique aussi un rock bruyant qui, au-delà de l’influence Sonic youth évidente surtout sur les premiers disques, va piocher un peu partout sans a priori.

Mais sur scène, le mélange prend totalement corps. Rythmique baston, mélodies gorgées d’émotion et murs du son irradiants. It it anita joue sur tous les tableaux, appuie sur toutes les manettes en même temps, excelle dans toutes les disciplines. Et, là aussi, le son joue sa part et transcende la musique.

Un bon concert, c’est aussi un public qui vibre et réagit et l’action est dans la fosse autant que sur scène. Hystérie, tremblement, échange de fluide, osmose océanique entre les Belges soniques et la foule en sueur qui se presse contre la scène.

Le groupe finit par descendre la batterie au milieu du public – bien sûr qu’ils la descendent – pour une dernière transe sauvage et collective. Pas d’évanouissement, de visions ou d’état de conscience modifié mais on n’en était pas loin.

« Reignier, on va se faire tatouer tes initiales sur la poitrine ! », rigole le groupe. Sûr qu’en tous cas on t’oubliera pas de sitôt, Anita.

A suivre : une chouette interview, aussi bientôt qu’il sera possible.

PS Les photos sont encore une fois d’Olive. Je sais pas si il était inspiré ou si c’est un nouvel appareil photo, mais il faut absolument visiter son site Lowlightconditions pour aller voir toute la série qui est géniale. Merci Olive.

>>>>>>>>>> IT IT ANITA

« Messe noise ! » (Flying luttenbachers – Cave12, 8 déc.)

Avec Weasel Walter en grand maître de cérémonie… La précédente tournée avait évité Genève, mais on ne la fait pas deux fois à Cave12 et rendez-vous était pris cette fois avec cet ensemble noise tout en démesure. Pour être honnête, je suis loin de connaître toute leur discographie foisonnante ni l’historique des nombreux line-up. Ce que je savais, c’était la réputation qui les précédaient et que, selon toute vraisemblance, il allait se passer des trucs. Tout dimanche soir qu’on était.

Les gens arrivent peu-à-peu. Les conversations se mènent à voix basse. Ambiance feutrée, un peu club de jazz. Seul le drap de fond de scène au logo des Flying luttenbachers – accessoire absolument ridicule des groupes de rock mais bon eux, ça va, eux, c’est différent – indique le chaos à venir. Des copains arrivent qui viennent pour la première fois, sont ravis de découvrir cet endroit même si il est mal indiqué.

« Vous pouvez parlez, on est pas chatouilleux ! » balance Weasel Walter en montant sur scène suivi de sa troupe de mercenaire. Mèche qui lui barre le visage, marques noires sous les yeux, pantalon d’officier nazi (ou peut-être pas), bottes en cuirs et teeshirt de death-metal.

3.2.1. GO ! Soubressauts. Tremblements irrépressibles. Flashs. Epilepsie. Visage tordu par des spasmes. La musique des Flying luttenbachers, c’est une décharge continue, la chaise électrique musicale, l’électrocution à perpétuité. La noise dans ce qu’elle a de plus urgente et de plus stridente. Pour l’imaginer, faut se figurer le résultat d’une overdose de free-jazz et de black-métal.

Le saxophone de Matt Nelson apporte une touche no-wave très new-yorkaise – (hé, je suis pas mécontent d’avoir réussi à attirer Alain dans un concert no-wave !) On danse comme on peut mais, oui, on peut danser. Au premières loges devant les musiciens, c’est le régal. Alex Ward, guitariste pour cette tournée européenne. Grand, tiré à quatre épingles, jeu noise incroyable. La classe même quand il saute dans la fosse et remonte sur scène par d’étranges reptations doresales. Et Tim Dahl – oui, le Tim Dahl de Child abuse, qui doit quasiment habiter à Genève en ce moment vu qu’il était aussi en concert avec un projet jazz, Grid, récemment. Costume blanc, partitions froissées à ses pieds. Son épais, gorgé de parasites et de distortion et pourtant véloce, mécanique de précision. Le plus beau son de basse du monde. On en boufferait à tous les petits déjeuners.

Pas d’autre nom à l’affiche, mais aprés le concert ébouriffant de ce groupe de tous les superlatifs, c’est vraiment pas nécessaire. Juste un tour à la table de distro pour discuter un peu, chopper quelques disques et découvrir les différents projets de ces musiciens hyperactifs, quelques pièces supplémentaires au puzzle, quelques noms de plus à porter sur la carte imaginaire de cette musique impossible.

 

>>>>>>>>>> FLYING LUTTENBACHERS

« William Burroughs Haute-Savoie microtour – jour 2 » (Jars, Cutter – Bistro des Tilleuls, 23 nov.)

Suite de nos aventures au pays de la noise. Après une première soirée haute en couleurs – et comment ne serait-ce pas le cas avec les gais lurons légèrement cramés de Dewaere ? -, fatigués mais euphoriques mais attention sans autre drogue dans le corps que l’adrénaline et l’endorphine, on file vers Annecy et son fameux Bistro des Tilleuls.

Là-bas, les choses se lancent doucement. Les Russes ont du retard. On admire les travaux réalisés dans l’été qui optimise l’espace de scène. Jars arrivent. On fait connaissance, on mange et on fait les balances. A peu près en même temps. Matt, qui nous accueille, trime comme un dingue. A la fois au bar, au son et au service. Il est déjà 21 h 30. Les Russes ont l’air trop sympa. Le public est là. C’est cool.

On ouvre la soirée avec Cutter, devant un public déjà bien compact, puis c’est au tour de Jars de monter sur scène. Repérés sur un ou deux webzines et sur la foi de quelques morceaux, on est bien curieux de voir ce que ça va donner.

Jésus, y’a certainement pas de lézard. Jars, c’est le power trio par excellence. Formation rapprochée, combative, qui maintient un feu nourri jusqu’à ce que tu tombes à genoux.

Leur noise-rock sale et lourdingue évoque irrésistiblement quelques figures du genre : Big black, ou Jesus lizard pour les arpèges torves, mais aussi parfois des trucs plus rock mais pas moins énervés – Nirvana période Bleach, pour être précis. Et cette voix rauque gueulée en russe qui en rajoute encore dans la rage crue. Les groupes qui chantent dans leur propre langue ont quelque chose en plus, pas en moins. Enfin, certains.

Le public massé devant la petite scène est immédiatement ultra réceptif. Pogo, chutes diverses et variées, mouvements de foule plus ou moins contrôlés. La salle est sombre, moîte et méchamment houleuse. Soir de gros temps. Sasha, le très sympathique batteur blond, rayonne derrière ses fûts. Il nous fait un show pas possible à base de grimaces maniaco-euphoriques et cogne comme un damné. Plaisir d’offrir, joie de recevoir.

Ce qu’offre Jars, c’est un set intense et punitif, mené d’une main sûre, qui s’achève dans un chaos de larsens et de hurlements. Ce genre de groupe authentique et sincère, qui sera pour toujours hors des radars, ne se croise que sur la route. Fallait être là. L’excellente interview réalisée dans l’arrière-cuisine du resto confirmera pleinement cette impression.

Affaire à suivre, sans aucun doute.

Les chouettes photos sont de l’ami Olive et de son site LowLightConditions.

>>>>>>>>>> CUTTER

>>>>>>>>>> JARS

 

« William Burroughs Haute-Savoie microtour – jour 1 » (Dewaere, Cutter – Le Poulpe, 22 nov.)

Retour sur un weekend un peu spécial. Le concert du lendemain – avec les russes de Jars, report à venir – était calé depuis un moment quand Greg nous propose de jouer aussi la veille, avec Dewaere, ce groupe breton qui a sorti un des disques les plus explosif et rafraîchissant de l’année dernière. Wow.

Avec le terme « noise » ou « noise-rock » sur l’affiche, tu as toujours un peu un doute sur le nombre de gens qui va  répondre présent, mais il y avait déjà un petit public – beaucoup de têtes connues, forcément – quand on a commencé.  On en dira pas plus si ce n’est que, avec les chouettes conditions de sonorisation du Poulpe, ça a vraiment été un bon moment pour nous.

Dewaere, c’est une formation classique guitare/batterie/basse/chant, mais il ne faut pas longtemps au public maintenant plutôt dense pour se rendre compte que Maxwell, le chanteur, est quand même quelque chose d’assez spécial. Grand échalas nonchalant qui, avec sa veste sur le dos, donne toujours l’impression d’être passé là par hasard. J’ai vu un groupe de punk jouer et je me suis dit que j’allais venir foutre un peu le bordel avec mon incroyable chant de crooner débraillé – ce qui est à peu près la façon dont s’est vraiment passé la création du groupe, comme on le verra dans l’interview réalisée après le concert, à paraître bientôt-mais-pas-tout-de-suite.

Mid-tempo sans repos, basse vrombissante, ferrailleuse et une guitare avec un je-ne-sais-quoi de 80s. Mais je sais pas vraiment pourquoi tout le monde ne cesse de répéter « noise-punk » à leur propos – ou alors punk à la Buzzcocks, oui. Dewaere écrit de vraies chansons. Avec ce chant improbable, c’est un cocktail à peu près parfait que sert le groupe.  Une formule gagnante et une vraie découverte pour ceux et celles qui étaient là. Joli choix de programmation du Poulpe.

Et ce n’est que le début, comme on le verra bientôt.

 

>>>>>>>>>> CUTTER

>>>>>>>>>> DEWAERE

« La meilleure façon de perdre ses amis » (DROSE – Urgence disk, 17 nov.)

C’est peut-être bien que je dois traîner dans ces musiques depuis trop longtemps, mais si il y a un mot qui me tient en haleine, attise chez moi une curiosité fiévreuse et me pousse vers tel concert ou tel disque, c’est celui de déconstruction. Le rock en morceaux, mis en pièces puis remonté à l’envers et fourni sans véritable mode d’emploi si ce n’est celui que ton cerveau construit. Ou pas. Allez comprendre. Par contre, entre les réactions génées du type « C’est particulier… » et les soupçons d’élitisme, on est d’accord que c’est certainement une des meilleures façons de perdre ses amis. Mais bon, faut avoir le courage de ses opinions de temps en temps.

Quoi qu’il en soit, la première écoute de l’album Boy man machine du trio américain DROSE a été un choc, redoublé par  l’annonce de leur venue à Genève. L’organisation de ce concert assez peu médiatisé aura connu quelques péripéties : d’abord annoncé à l’Usine, il avait été pressenti un moment à l’Ecurie pour finalement se dérouler à Urgence disk.

La petite salle/bar de la boutique plutôt remplie est encore à l’heure de l’apéro et du concert qui a eu lieu juste avant, d’un tout autre style quand les américains arrivent et lancent le set presque aussitôt. Bruits répétitifs. Mécanisés. Domptés. Leitmotiv industriel de la musique de DROSE. Noise-rock suffocant. Eclatant par spasmes. Semblant se débattre contre le règne de la machine, lutter contre son propre engloutissement. Le groupe ne comporte pas de bassiste, mais le son est absolument massif, même avec des protections auditives (et valait mieux).

La silhouette frêle de Dustin Rose et sa voix cristalline, spectrale -à vrai dire assez difficilement perceptible dans le mix – contraste avec la lourdeur et le fracas qui l’enveloppent. Scandée par la batterie minimaliste de John Mengerink, la musique de DROSE développe un vocabulaire qui lui est propre – même si on peut penser à la première période des Swans – et un sens de l’espace sonore et du silence assez impressionnant.

C’est la tête-chercheuse Computer students qui a reédité leur album mais, si on m’avait dit que c’était un label comme ECM, ça ne m’aurait pas plus étonné que ça. De la même manière, on les as vus dans cette microscopique antre qu’est Urgence disk mais qui peut dire dans quel sorte de salle ils passeront dans 5 ou 10 ans ?

Un certain nombre de personnes quittent la salle au fil du concert, déroutés par l’étrangeté ou rebutés par le volume sonore. Pour les autres, les tenaces, l’expérience sonore est au rendez-vous. Au final, une expérience typique de l’Usine – celle d’être une poignée de personnes dans un lieu improbable assistant à la performance d’un groupe singulier.

Bien sûr, un jour il y aura un petit malin qui aura tout compris et qui viendra nous expliquer qu’on a vu un groupe de slow-indus ou une foutaise de ce genre – exactement comme le jour où j’ai découvert avec stupéfaction que certains rangeaient Don caballero dans une petite boîte qui s’appelait math-rock ou Heroin dans un machin appelé screamo. On s’en fout, on sait juste qu’on a vu un putain de groupe qui vit intensément sa musique et qui ne ressemble nul autre.

Et on ne veut rien savoir d’autre.

>>>>>>>>>> DROSE

« Attaque de guitares patraques » (Gaute Granli, Mark Charles Morgan, Sound off Mars – Cave12, 23 oct.)

(Eternel) retour à Cave12, cette antre de tous les possibles et surtout les plus improbables, où tu ne sais jamais exactement ce que tu vas voir ni la personne qui est à côté de toi –  qui, si ça se trouve, aime souffler dans un saxophone sans embouchure et n’a jamais entendu parler des Melvins. Oui, des choses aussi extrêmes que ça. Là où les publics et les musiques se croisent vraiment, pas comme dans TOUTES les autres salles où celui – ou celle – qui aime le metalcore ne va pas voir les concert de post-punk qui ne mettra jamais les pieds à un concert de grind à qui ça ferait mal d’aller voir de l’arty-impro-n’importe-quoi-bla-bla-bla. Wow, bon sang, on dirait une chanson des Fabulous troubadors. Mais rendez-moi le bon vieux temps de « Eh, y’a un concert de ouf, tu viens ? » Non, mais. Je suis pas vraiment là pour la musique, moi, de toute façon.

Bref, soirée guitare à Cave12, mais guitare bizarre et absurdoïde et c’est pas moi qui le dit mais Sixto de Cave12 et ça, ça veut vraiment dire que tu vas voir ce que tu vas voir.

Gaute Granli est norvégien et tient ou tenait également la guitare dans le duo noise Freddy the dyke. Son solo tient du bricolage sonore improbable. Beats synthétiques. Esquisses de vagues mélodies. Parasites. Techno subissant de fortes perturbations. Présence/absence. Crash et birfurcations inopinées.

Même effet pour la voix sussurée, qui avait un je-ne-sais-quoi de Three second kiss. Le crooner planant est fin saoul et ne veut plus quitter la piste. Je sais pas si j’ai aimé ou pas, à vrai dire. Mais, on n’est pas obligé d’avoir un avis sur tout, n’est-ce-pas ?

Ces solo ont une durée modeste, 30 minutes tout au plus, sortes de petits formats expérimentaux qui s’enchainent de manière fluide et plutôt agréable. Là aussi ça change du cérémonial habituel du concert. Bref, au tour de Mark Charles Morgan.

Mark Charles Morgan est présenté et surtout connu comme le guitariste/chanteur du trio Sightings, un groupe bien borderline que personne ne connait mais qui a quand même publié une dizaine d’albums bourrés jusqu’à la gueule d’exprimentation touffue et de vitalité sonore. Sightings n’est plus mais le solo de Mark Charles Morgan fait écho en condensé aux recherches sonores du furieux trio new-yorkais.

Ca commence avec un signal sur-saturé. Trace en pointillés d’un message sonore existant mais inaudible, dont il ne reste qu’une pulsation. Brouillage. Echec de la transmission. Des motifs vocaux joyeusement incompréhensibles, méthodiquement samplés, viennent ponctuer, compléter l’ensemble par petites touches et lui donner forme. Un solo, fracas de ferraille glaciale, surgit et vient se fondre dans la masse.

Puis Mark Charles Morgan semble juger que le musique ainsi créée est suffisante et peut voler de ses propres ailes. Il la laisse se dérouler, pose sa guitare à terre et entame une petite danse folle et exquise autour de sa guitare et son micro, auquel il vient hululer de temps à autre. Wow. C’est magique et très drôle de voir ce bonhomme en costume sombre s’exécuter ainsi. Son show brillant et facétieux s’interrompt tout à coup et le musicien débranche ses pédales sous, il faut bien le dire, un tonnerre d’applaudissement. Well done, Mister Morgan.

Rangées d’amplis Marshall et Fender. Amas de pédales d’effets. Réseaux de cables électriques. Ce n’est pas un mais six guitaristes qui composent The Sound off mars, groupe sans basse ni chant ni batterie venu de Marseille et qui s’installe joyeusement à même le sol de la salle. Ca sent la bonne histoire entre copains, cette affaire-là. Le mur du son massif et compact produit par les guitares à l’unison est impressionnant, s’apparente à un gros stoner sonique, évoquant Gnod, Part chimp, voire Sonic youth parfois.

Une masse compacte, lente et majestueuse, qui se déploie, se déplie, vacille parfois sous les tiraillements de l’une ou l’autre guitare, pour atteindre finalement sa pleine puissance ou s’écrouler sous son propre poids. Là aussi, le concert est relativement court, peut-être faute de morceaux. En tous cas, cette fanfare sonique pleine de possibles à explorer clôt cette chouette soirée de belle manière. Festive presque.

Millions of dead cops ?

>>>>>>>>>> GAUTE GRANLI

>>>>>>>>>> MARK CHARLES MORGAN

>>>>>>>>>> THE SOUND OFF MARS

« Apologie de la déviance » (Child abuse – Cave12, 15 sept.)

Toujours avoir un oeil sur la programmation de Cave12. Surtout pour tout ce qui touche aux formes de rock déviantes et inespérées. Child abuse, trio new-yorkais obscur au nom en forme d’atteinte à la morale la plus élémentaire, déjà entrevu il y a cinq ans dans le même lieu. Secousse à fortes séquelles, déjà. En tournée pour la sortie de son quatrième album. Impossible de ne pas être là.

Pas d’éclairage au néon porté en pendentif cette fois-là. Ils ont gardé leurs combinaison couleur alu, par contre. Guère plus rassurants, en pleine lumière. Humour disjoncté et ambiance torve. Concerto pour enclume.

Les membres de Child abuse trempent depuis de longues années dans la scène expérimentale new-Yorkaise. La batterie labyrinthique d’Oran Canfield, la basse fretless en déraillement permanent de Tim Dahl (également membre de Retrovirus avec Weasel Walter et Lydia Lunch) et sa voix grand-guignolesque qui fait parfois penser à Shorty et les stridences viciées du clavier qui achève de faire définitivement de la musique de ce groupe un hochet cassé qui ne tourne pas rond. Pas étonnant qu Eric Paul – la voix de Arab on radar et aujourd’hui Psychic graveyard, avec lesquels Child abuse a d’ailleurs joué – fasse une apparition sur leur disque. Les grands malades se rencontrent.

Leur musique est une rafale sans fin, un point de fuite indéfinissable, une coagulation violente de courants contraires.  Déluge de décalages math-rock, free-jazz désarticulé, sauvagerie death-metal. Pas d’autre choix que de se laisser prendre par le maëlstrom. Retiens ta respiration et laisse-toi emporter par le fond.

Un petit tour à la table de merchandising à la fin du concert donne pourtant une impression assez sympathique des individus. Le batteur te propose même Long past stopping, l’autobiographie qu’il a publié il y a quelques années. Et donc, tu te retrouves avec un tee-shirt portant fièrement l’inscription « Abus d’enfant » ainsi que les mémoires d’un héroïnomane.

Mais sinon tout va bien.

>>>>>>>>>> CHILD ABUSE

« Printemps noise-part 2 » (Sheik Anorak, The Acharis, Flying disk, Love in the elevator, Shellac, Nurse, Dead arms, USA Nails, Pogo car crash control)

Suite des aventures soniques de ce printemps avec, d’abord, comme lors du premier épisode, un concert Drone to the bone – mais loin de la démence bruitiste habituelle des shows de cette super asso. Plutôt le versant expérimental et aventureux avec Sheik anorak – projet solo de Frank dont on a parlé il y a pas si longtemps à propos de Videoiid et dont on reparlera bientôt – puis le duo US The Acharis.

Quelques touches mélodiques, marques sonores disposées à intervalles réguliers, comme des repères pour ne pas se perdre dans trop d’abstraction. Et la pulsation rythmique comme unique respiration, unique discours.

Sorte de trip-hop minimal et percussif, Sheik anorak emprunte à différents styles sans jamais y verser vraiment. Libre de ses mouvements, sans filet. Qu’il soit seul sur  scène ajoute encore au côté hypnotisant de sa musique. Comme un solo de danse ou d’escalade. Assez fascinant.

La soirée s’est poursuivie plutôt tranquillement avec le duo The Acharis et leur noisy-pop vaporeuse assortie de guitares acides.

Une musique rêveuse qu’on verrait assez comme bande-son d’ambiances à la Sofia Coppola, même si la boîte-à-rythme rajoute un côté post-punk intéressant.

Le groupe de Fossano Flying disk jouait au 648 Café, c’est à dire que milieu de la campagne chablaisienne. En plus d’être archi-inconnus par ici, il y avait une autre soirée ailleurs donc on pouvait à peu près être certain qu’on ne serait pas dérangé par la foule en se rendant à ce concert.

Ca n’a pas raté, ce qui n’a pas empêché les trois jeunes italiens de balancer leur émo-rock avec la dernière énergie. Avec pour fil rouge les mélodies poignantes chères au coeur de Simone, le chanteur, leur musique sait aussi être lourdingue comme il faut quand il  faut. Ca a été aussi l’occasion d’échanger avec cet activiste qui, malgré son relativement jeune âge, organise des concerts depuis environ 10 ans en plus de gérer son propre label, Brigante records.

Début de semaine, échappée vers Lausanne pour chopper Shellac. Déjà vu l’an passé à Grenoble. Mais bon, je crois que j’aime bien ce groupe.

Quelle salle, Le Romandie. Avec sa voûte de pierre haute et sombre  pour plafond, ce lieu a une ambiance rock de malade. Certainement une des meilleures salles que j’ai vues, voire la plus belle.Des images de Nick Cave dans Les ailes du désir  revenaient à l’esprit.

Shellac emmenait dans ses valises un groupe italien, Love in elevator. Gros basse-batterie, grungy, sur lequel se détachent la guitare et la voix plus acides – décidément – de la chanteuse. Pas désagréable, au final, alors que je partais pas convaincu du tout à priori, les choix des Américains en matière de première partie étant plutôt conservateurs. Ce qui d’ailleurs laisse un peu songeur de la part de l’ancien provocateur en chef de Big black.

En, tous cas, c’est devant un Romandie complet et parfaitement convaincu que résonnent les premiers accords du trio. Le son génial de la salle et leur set, construit au fil du concert, qui pioche au feeling dans tous leurs albums, donne l’image d’un groupe assez fantasque et débridé, qui s’abreuve à de nombreuses sources. Plus original que ce qu’on peut parfois penser et pas du tout réductible au stop and go devenu classique dans le noise-rock. D’ailleurs, tout à coup, après la session questions et réponses plutôt vite envoyée (quelqu’un a juste demandé s’il y aurait un nouvel album bientôt et Bob Weston a répondu que oui mais pas si bientôt que ça non plus), Albini s’est mis à parler de l’histoire de la musique qui ne retient que quelques groupes connus et laisse des tas de groupes essentiels sombrer dans l’oubli. Tout ça pour rendre hommage au groupe post-punk suisse Kleenex – actif de 1978 à 1983 et plus tard rebaptisé Liliput, merci Wikipédia – son groupe suisse préféré et une influence majeure de Shellac à leurs débuts, apparemment. Quand on sait que Métal urbain était déjà une source d’inspiration de Big black, c’est plutôt rigolo.

Certains sont déçus ou se sont lassés de Shellac, mais c’est pas du tout mon cas. La plupart du temps, la magie de leur musique à la fois très rock – il paraît même que le riff de Dude incredible ressemblerait étrangement à un passage de Judas priest – et déconstruite par des décalages rythmiques et des bifurcations incessants fonctionne encore à plein. D’ailleurs, un riff de hard rock ne sonne jamais mieux que quand il est joué sur la Travis bean d’Albini. Et puis il y a Todd Trainer. Je crois que j’aurais fait les 100 et quelques kilomètres même s’il jouait tout seul. Son jeu, à la fois ultra lisible et expressif au possible, peut paraître simple, enfantin même. Personnellement, je le trouve incroyablement musical, J’ai l’impression de prendre une leçon de musique, sans parole, en temps réel, à chaque fois. Et de toute façon, comme chacun sait, il n’y a rien de mieux que de regarder un bon batteur.

Le groupe jouera donc un set généreux devant un public ravi, avec quatre nouvelles compositions dont un morceau punk avec un riff nerveux sur deux notes génial. Hâte d’entendre ça sur disque.

Pause de deux jours puis retour à l’Usine pour une soirée avec quatre groupes et les copains de Nurse en ouverture, devant un public plutôt clairsemé.

Un Nurse peut-être un peu moins explosif qu’à l’accoutumée mais un très bon Nurse quand même, avec un son d’ampleur. Il faut dire que le concert commence tôt, Manu, le guitariste, a même dû déclarer forfait lors de sa journée de coupe du monde de parapente pour arriver à l’heure au concert. Enfin 10 minutes avant, faut pas déconner non plus. Nurse, groupe au taquet.

Suivaient ensuite deux groupes anglais amis qui tournaient ensemble : Dead arms et USA Nails. Les deux groupes partagent d’ailleurs le même bassiste. En tous cas, tout ce beau monde sera en interview dans Rad-Yaute bientôt.

Comptant dans ses rangs le gratteux des Death pedals, Dead arms officie dans un punk-rock rentre-dedans et qui file généralement tout droit, un peu comme les précités. La voix âpre et hargneuse du chanteur ajoute une touche davantage hardcore, qui rappelle un peu Poison idea par moment ou même Motorhead.

Un set tout en énergie, où pour moi se démarquaient les morceaux où le groupe ralentit le tempo et où les compositions se font plus sinueuses et les ambiances plus tordues.

Je sais pas si je dois le dire mais je vais le dire quand même : la venue à Genève de USA Nails est due à l’origine à un quiproquo sur leur nom qui les a fait confondre avec les hardcoreux américains de Nails. Il faut croire qu’ils ont su convaincre et, quoiqu’il en soit, c’était un excellent choix.

Aucune fioriture dans le noise-punk de USA Nails, rien qui soit là pour plaire ou pour séduire. Une rigueur et un dépouillement dans le bruit et la répétition – jusqu’à l’absence totale de mélodies parfois sur certains passages quasi no-wave – qui évoque un peu les premiers Fugazi.

Le public s’est resserré, on le sent tout à coup nettemment accroché – alors que, vraisemblablement, seule une poignée avait dû entendre le nom de USA Nails auparavant. Cette impression se vérifiera  dans les jours suivants lors des discussions sur le concert : USA Nails a marqué les esprits.

Pas totalement sûr que ce soit le cas du groupe suivant par contre. Pogo car crash control déploie certainement un bon paquet d’énergie sur scène mais leur musique, qui sonne parfois limite hard-rock, ne me convainc pas plus que ça.

Ca fait déjà pas mal mais le printemps noise n’est pas terminé. La suite au prochain épisode.

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>>>>>>>>>> THE ACHARIS

>>>>>>>>>> FLYING DISK

>>>>>>>>>> LOVE IN ELEVATOR

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>>>>>>>>>> NURSE

>>>>>>>>>> DEAD ARMS

>>>>>>>>>> USA NAILS

>>>>>>>>>> POGO CAR CRASH CONTROL